Mājaslapā publicēto fotogrāfiju izmantošana
pieļaujama tikai ar JRT rakstisku atļauju.
Plašāka informācija pieejama šeit.
APMĀNĪTĀ
Image CAPTCHA
Daloties savā viedoklī par izrādi, JRT aicina ievērot morāles un pieklājības normas un iztikt bez rupjībām.
Lūguma neievērošanas gadījumā JRT patur tiesības dzēst skatītāja viedokli.

THE BLACK SWAN

The staging of "The Black Swan" is based on the Thomas Mann's novella. In his last completed literary work “The Black Swan” (“Die Betrogene") (1953), Thomas Mann shows the hopeless love of a German widow for a twice younger American man. This story of a late love is taking place after the First World War against the background of the ruined European past, culture, and traditions, and is devoted to perhaps the most intriguing human trait – the ability to give one’s love to the moment passing forever.

 

Director - Uldis Tīrons
Stage and costume designer - Anna Heinrihsone

Actors: Regīna Razuma, Marija Linarte, Kaspars Dumburs, Ģirts Krūmiņš, Toms Veličko

Venue: the Big Stage Miera street 58a
Prices: 10,00; 15,00; 22,00, 25,00 EUR
Premiere on January 4, 2019

Sižets LTV Rīta Panorāmā 3.01.2019
Sižets LTV Rīta Panorāmā 3.01.2019
Sižets LTV Kultūras ziņās 4.01.2019
Sižets LTV Kultūras ziņās 4.01.2019
Name: Zita Zirne, voedoklis no Facebook, 11.01.2019
Comment: Vakardienas "Apmānītā" - burvīga izrāde, ik pa brīdim gribējās apturēt un teikt:, dodiet laiku nolasīt visu. Kaspars Dumburs - fantastisks aktierdarbs, nevienas paviršības, ekh, nav jau tik daudz epitetu! Iesaku visiem - gardēžu izrāde. Iešu vēl, ja varēs dabūt biļetes. Bravo visiem, kas piedalījās izrādes tapšanā.
Name: Sandra Briede, voedoklis no Facebook, 11.01.2019
Comment: Kārtējā izrāde, uz kuru nevar aiziet nesagatavojies, lai arī programmiņa par 2 eiro satur ļoti daudz skaidrojošas informācijas, bet to nevar paspēt izlasīt līdz izrādes sākumam. Es paguvu izlasīt interviju Latvijas avīzē ar U.Tīronu, pamatīgu skaidrojošu Z.Radzobes recenziju, kas atrodama teātra mājas lapā, bet galvenais atcerējos savas vācu literatūras studijas augstskolā. Mājās atradu Buddenbrooks, lai atkal ielasītos Tomasa Manna valodā, un biju pārsteigta, cik daudz grāmatā ar zīmuli bija pierakstītas manas piezīmes vācu valodā, kas nozīmēja, ka esmu ļoti pamatīgi analizējuši šo darbu. Stāsts ir par vecākas sievietes mīlestību pret daudz jaunāku amerikāņu puisi, bet īstenībā saturs ir daudz dziļāks, kas prasa analīzi, līdzi domāšanu un zināšanām par T.Mannu. Galvenajā lomā ir skaistā R.Razuma, kurai šī loma kā radīta. Sieviete manos gados, kas pēkšņi sajūtas jauna, lai arī šīs izjūtas ir slimības rezultāts. Viņa ir tik gracioza! Aina, kur viņa vēl iekožas maizē, lai atdotu sevi "melnajam gulbim", mani burtiski satriec, lai gan visu izrādi sajutos tādā eiforijā, it kā lidotu virs zemes. Viņas meitas Annas lomu ļoti interesanti nospēlē M.Linarte. Lai arī biju viņu redzējusi citās lomās, šeit mani fascinēja viņas balss un plastika. Vairākās mazās lomās burtiski dzīvo T.Veličko, kurš gluži kā etīdēs izspēlē dažādus personāžus. Ārsta un pašu autora ādā iejūtas Ģ.Krūmiņš, kurš savā ziņā diriģē izrādi. Taču lielākais pārsteigums ir no Nacionālā teātra pieaicinātais Kaspars Dumburs amerikāņa lomā! Izrādās, ka viņā ir tāds potenciāls, ko līdz šim neviens nav ļāvis parādīt. Viņš burtiski spridzina, sevišķi mācot jaunās amerikāņu dejas. Mirklī, kad viņš nostājas skatuves priekšā un saka: Jetzt alle zusammen!, es nesaprotu, kāpēc visi paliek sēžot, jo biju tik ļoti iekšā izrādē :) Iestudējums nav ieturēts visiem pierastā stilā, kad varoņi vienkārši runā savu tekstu, tāpēc skaidrojumu, kas notiek sākumā, kad viņi ievingrina balsis, kāpēc viena varoņa tekstu runā cits utt., var atrast iepriekš manis nosauktajos "špikeros". Tāpat jāatzīmē, ka teksts vietām ir vācu un angļu valodā, kas man ir saprotams uzreiz, bet citiem tulkojums jārod programmiņā. Katrā ziņā neizsakāms baudījums domātgribošiem skatītājiem!
Name: Teātra gardēdis, 10.01.2019
Comment: Nu tik reti tā jāsaka, bet šī izrāde ir ļoti vāja. Ja pagājušoreiz pēc Kalpa zēna vasaras biju stāvā sajūsmā, tad šoreiz jāsaka - režija ir nožēlojama. Regīna Razuma ir lieliska un scenogrāfija arī. Bet tas viss nelīmējas koā, var teikt, ka režisors ir pilnīga nulle. Acīmredzot tāpēc izrādei nav starprīža, ja būtu - pēc tā zālē paliktu ne vairāk kā puse skatītāju.
Name: Anderss Beverens, 10.01.2019
Comment: Šī nu atkal ir reize, kad nevaru teikt, ka man šī izrāde patiesi patika (kā tas tomēr ir bijis ar daudziem citiem JRT iestudējumiem). Man gan ir jārespektē (un es patiešām to daru) abu autoru (Manna un Tīrona) redzējums un piedāvājums - viņi abi ir radoši cilvēki un spēcīgas personības, kas ir spējuši radīt mums izbaudāmu un vērtējamu produktu. Man jāatzīst, ka, uzmanīgi piedomājot, brīžiem eksaltētajās ainās un to dialogos var atrast kādu, iespējams - paslēptu filosofisku alegoriju (Tieši tāpat kā, piemēram, gleznā ar rozā punktu uz pilnīgi balta fona). Man jāpiekrīt, ka formas mākslīgumā VAR (ja ļoti vēlas) atrast vairākus vēstījumus. Tos, kurus pats skatītājs sev var izdomāt. Un šajā ziņā iestudētāja autordarbs patiešām paver neierobežotu lauku un ir labs provokators. Īpaši, ja skatītājs nepieņem autoru piedāvāto savā būtībā pavisam vienkāršo un pat primitīvo patiesību - visas cilvēka patiesās esības pamatā ir miesiskā kaisle - ķīmisku (hormonu) vai ieprogrammētu (sugas vairošanās instinktu noteiktu) faktoru radīta kaisle, kas pārvalda visas mūsu domas un rīcību. Un ka tā arī patiesībā ir visa cilvēces un katra tās indivīda eksistences būtība. Jo reāli jau neviena cita, no primitīvajām būtnēm it kā atšķirīgā, cilvēka būtības elementa iestudējumā nav. Nav draudzības, nav uzticības, iejūtības un empātiskas izpratnes, nav atdevīgas apmaiņas un savstarpējas bagātināšanās, nav darba un radīšanas. Nav arī mīlestības kā kaut kā vairāk par miesisku fizioloģisku kaisli. Ak jā – ir deja. (Cita vidū – vai nav simptomātiski, ka šī būtībā vienkāršā deja šeit publicētajos viedokļos tiek tik ļoti uzsvērta? Vai ne tāpēc, ka tā bija tāds patiešām dzidra gaisa malks kopējā skaņu un kustību masā?) Bet nav sadzīvošanas un izšķiršanās. Nav... (kas nu vēl katram varētu būt svarīgs cilvēka kā cilvēka esībā)... Nē, kāpēc - arī šāda var būt pasaules uztvere. Un noteikti ne man par to nievāt tās nesējus. Pasaulē ļaudīm ir tiesības uz viedokļu daudzveidību. Un par to varu būt (un esmu) autoriem pateicīgs. Ka viņi radīja produktu, kas lika man domāt, kāpēc man tas nepatika. Jo tieši kritika jau savā būtībā ir radošuma lielākais dzinulis. Un, tātad, vismaz no šī skatuounkta – šī izrāde bija patiesi laba, tā spēja radīt domu mutuli. Tajā skaitā – vai un kāpēc man uz skatuves patika Regīna Razuma - vai tāpēc, ka man patika (bija simpātisks) viņas atveidotais tēls, vai vienkārši tāpēc, ka viņa viņa agrāk ir daudz laba izdarījusi un pats viņas vārds nes sev līdzi siltas sajūtas, jeb viņa vienkārši ir izcila personība, kuru varētu baudīt arī viņai uz skatuves vienkārši klusējot. Kāpēc rakstnieka tēls bija, kāds bija – vai vienkārši domāts bija atveidot viņu kā radoša cilvēka mirušu nospiedumu, vai vienkārši tas bija aktiera nespēja parādīt radošu un dzīvu personību. Vai Kens man patika patiešām labas Kaspara Dumbura spēles dēl, vai tā šķita tik laba, ka tā bija gandrīz vienīgā neeksaltētā uzvedība uz skatuves izrādes laikā? Un vispār – visspilgtākais tēls uz skatuves bija Melnais Gulbis. Ar savu gandrīz nemanāmo klātbūtni, šķiet, visas izrādes ilgumā. Un spēju ar savu runāšanu neko nesabojāt un ar savām kustībām radīt dailes sajūtu. Pat, ja ne ļoti varēja saprast šī tēla patieso nozīmi iestudējuma idejā (citu kā līdzās visu laiku stāvošas Nāves simbolu), tēlojums bija patiešām fascinējošs. Bez neviena vārda un bez ieraugāmas sejas. Bet Nāvei jau laikam patiešām kā neesības esībai seja pat nevar būt... Tā kā - var pat teikt, ka izrāde bija laba – rau, cik daudz kritiskas domas tā lika formulēt. Tikai labas un ceļošas sajūtas gan tā neradīja. Man neradīja. Tad varbūt tā tomēr nebija tik laba, kā cerēts baudīt parasti lieliskajā JRT?
Name: Ilze Dzenovska (viedoklis no Facebook), 07.01.2019
Comment: Vakar, braucot teju trīs stundas tumsā pa melno ledu uz Kurzemes tālo līvu krastu, domāju par piektdien redzētajā JRT pirmizrāde - Apmānītā melnā gulbja šņācienu un Regina Razuma iemiesotās varones drosmi, iekosties maizē pirms, atdot to melnajam gulbim, domāju par drosmi mīlēt, mīlēt gaistošo, mīlēt mirstot un drosmi pieņemt likteni un drosmi piedot. Aizejiet un nesasteidziet izdarīt secinājumus par formu, jo tā savā mākslīgumā un sākumā pat gurdenumā nes daudz simbolu un vēstījumu. Ļoti tieši liekot izjust, cik gurdinoša ir dzīve bez mīlestības un cik cerīga un dzīva tā kļūst, mīlestībai atgriežoties. Vēl arī prieks par manas mīļākās svinga laika dejas lindy hop uznākšanu uz Jaunais Rīgas Teātris skatuves un manu skolotāju Aivara un Rutas no Rock n Roll & Swing Dance club "Ķengurroks" rokrakstu tik trāpīgu iemiesojumu. Mīliet, dejojiet un atdodieties dzīvei!

Izrāde par burvību. Jeb – ilgas sīkumiem kāpj pāri
http://www.kroders.lv
08.01.2019
autors Zane Radzobe

Izrāde par burvību. Jeb – ilgas sīkumiem kāpj pāri.

Savu jauno iestudējumu Jaunajā Rīgas teātrī – pēc Tomasa Manna stāsta motīviem veidoto Apmānīto – režisors Uldis Tīrons ir papildinājis ar gluži programmisku programmiņu. Iesācis to ar rakstnieka dienasgrāmatas fragmentu, Tīrons sarunā iesaista gan Teodoru Adorno, gan Mariju Vigmani, gan pamanās skatītājam dot mājienu saspicēt ausis homoseksualitātes tēmu virzienā un norādīt, ka viņus gaida ne-reālistiska teātra pieredze. No vienas puses, programmiņa patīkami pārsteidz, neaizvainojot iztērēto papīru ar Latvijas teātru drukas materiālos ierasto tukšvārdību. No otras – reti gadās, ka režisors tik burtiski mēģinātu pateikt priekšā, par ko ir izrāde. Varbūt tā izpaužas bailes, ka skatītāji nesapratīs? Varbūt Tīrons domā, ka humanitāro jomu pārstāvjiem pašsaprotamais citiem viņa iestudējuma vērotājiem izrādīsies pārāk ciets rieksts? Taču režisora aizbildniecība pār savu darbu ir lieka – Apmānītā, salīdzinot ar iepriekšējām Tīrona izrādēm, ir tradicionālāks (un tāpēc arī vieglāk uztverams) teātra darbs, balstīts bagātīgā, bet precīzi izstrādātā citātu un zīmju sistēmā. Apmānītā ir burvīgs iestudējums, lai gan to skatīties bez priekšzināšanām par Manna daiļrades specifiku un ar to saistītajiem jautājumiem, šķiet, būtu ja ne neiespējami, tad vismaz mulsinoši.

Tomass Manns ir viens no nozīmīgākajiem 20. gadsimta vācu rakstniekiem – modernists, izcils romānists, prominents Hitlera oponents emigrācijā (arī tas, protams, palīdz kaldināt viņa slavu). Budenbroki, Burvju kalns, Doktors Fausts, Jāzeps un viņa brāļi – tie ir stāsti par personības sarežģītajām attiecībām ar savu talantu un savu laiku, par pasauli, kas brūk, par dēmoniem, kas ieslēpti aiz cilvēku demonstrētajām ikdienišķajām sejām. Manns ir arī autors, kuram pateicoties homoerotiski motīvi nostiprinās ne tikai avangarda, bet arī pamatplūsmas Eiropas literatūrā (viņa novele Nāve Venēcijā ir teju vai kulta darbs, protams, arī Lučino Viskonti ekranizācijas dēļ). Viņa daiļradei cauri vijas civilizācijas sabrukuma, cilvēces slimīguma, kā arī dzīvības un nāves ciešās līdzāspastavēšanas tēmas, no vienas puses, apskatītas caur psihoanalīzes, no otras – poētisku simbolu piesātinātas, brīžam uz maģiska reālisma robežas balansējošas realitātes prizmu. Apmānītā nepieder Manna izcilākajiem darbiem un lasot brīžam raisa sajūtu, ka autoram raksturīgā smalkā stilizācija un ironija viņa daiļrades norietā kļuvusi tik smalka, ka ne vienmēr izšķirama no nopietnības. Bet dīvainā kārtā šī stāsta kvalitāte jeb stilistiskie trūkumi ar savu divdomību arī piesaista, īpaši, ja Apmānīto lasa primāri kā Manna slavenāko darbu tēmu kopsavilkumu. Un tieši tā rīkojies Tīrons.

Apmānītās pamatā (pēc paša Manna vērtējuma) ir likta anekdote iz dzīves – dāma pāri pusmūžam iemīlas sava dēla jaunajā privātskolotājā un, jūtu kaismes ietekmēta, audzēja izraisītas fizioloģiskas pārmaiņas ķermenī traktē kā brīnumainu jaunības atgriešanos. Riebumu pret Rozālijas fon Timleres (kā varone nosaukta stāstā) ilūzijām un no tām izrietošo uzvedību Manns neslēpj (tai skaitā viņu tiešā tekstā raksturojot visai neglaimojošiem adjektīviem), un fon Timleres kundzes sarunas ar meitu Annu par sievieti dažādās reproduktīvās dzīves stadijās patiešām var lasīt kā ņirdzīgu komēdiju – varoņu čalošana stilizē deģenerēta romantisma pārpacelto stilu, bet pārspriedumi par sievietes seksualitāti veidoti vulgarizēta freidisma manierē un drīzāk šķiet liecinām par dažām stiprajam dzimumam raksturīgām fobijām, ne sievietes psihi.

Vai groteskais sievietes tēls ir Manna nopietnība vai arī ne, no stāsta vien izsecināt šķiet neiespējami, bet iestudējumu nepārprotami ietekmējusi Tīrona interpretācija, ko viņš ieskicē pirmspirmizrādes intervijās. Tās ir Manna bailes no pretējā dzimuma, kā arī nāves, ko (sagadīšanās?) dēļ arī iemieso sieviete. Lai gan pašā iestudējumā runa drīzāk ir nevis par Rozāliju kā sievieti, bet gan par varoni, kas ļauj autoram neparasti atklāti runāt pašam par savām alkām. Dzīve ir pārlieku īsa, lai bez īpaša pamudinājuma veltītu ilgāku laiku pašvērtīgi interesantu jautājumu noskaidrošanai – piemēram, vai Manns, kurš, spriežot pēc dienasgrāmatu izvilkumiem, pats labi saprata, kurp viņu vilina Erots (tas nepārprotami vilka sava dzimuma, bez tam – aizvien jaunāku indivīdu virzienā, neapstājoties pie pusaudžiem, bet iekļaujot arī bērnus, paša pubertāti vēl nesasniegušo dēlu ieskaitot), tiešām bija tikai latenti homoseksuāls. Bet Tīrona izrādei šāds pieņēmums der lieliski – Apmānītā tādējādi kļūst par sāpīgu autora pašanalīzes seansu. 

Iestudējumam ir trīs slāņi, kas skatītājam piedāvā detaļās it kā atšķirīgas, bet savstarpēji saistītas Apmānītās interpretācijas – tas ir teksts, telpa un aktierdarbi. Kad it kā atsevišķie stāsti beigās savienojas vienā tīklojumā, ir noticis teju neticamais: izrādē ir uzburta atmosfēra, aura, kas nepamet arī pēc priekškara aizvēršanās. (Bet atmosfēru teātrī ne vienmēr spēj panākt pat ļoti labi, par tikai profesionāliem režisoriem pat nerunājot!) Ja Mielasts kā režijas darbs bija vērtējams drīzāk kā eksperiments un Pēdējā Ļeņina eglītes veiksmes (jāatzīmē, pēc krietnas iešūpošanās) lielā mērā saistāmas ar iestudējumā spēlējošo aktieru virstalantu, tad Apmānītā rāda, ka Tīrons no savas pieredzes ir mācījies. Katrā ziņā pietiekami, lai spētu uzbūvēt komplicētu izrādi, kurā vienlaikus atradis vietu arī skatītāja aktīvai līdzdalībai.

Apmānītā ir rotaļīgs iestudējums un principā – ar krietnu komēdijas potenciālu. (Pirmizrādē gan zāle sēdēja kā ūdeni mutē ieņēmusi.) Toni iestudējumam uzdod Tīrona dramatizējums, kurā gan saglabāti Manna Apmānītās elementi (sižeta mugurkauls un citāti, pietiekamā apjomā, lai raksturotu autora stilu), bet daudz kas arī rakstīts klāt. Intelektuālas komēdijas žanram vispirms būtiski uzsvērt neskaitāmās intertekstuālās atsauces, kas šādā veidā ieplūst iestudējumā – no Bertolta Brehta līdz Paulam Cēlanam un caur The Doors atpakaļ pie Brehta; ar Franca Šūberta un Riharda Vāgnera mūziku, ar vizuāliem citātiem…

Atsauces funkcionē gan viegla joka līmenī, reizēm caur paradoksu, reizēm – uzsverot rotaļīgu nejaušību, gan rosina domāt plašākā kontekstā – par ietekmēm un alūzijām. Skatīties tāpēc, protams, ir jo interesantāk – ko izdodas atpazīt, ko ne; kādas asociācijas raisās (divu vienādu kultūras pieredžu jau nemaz nevar būt, tāpēc arī interpretācijas atšķiras), un tā tālāk.
Otrs elements, kas Apmānītajai “pierakstīts”, ir autora tēls – Tomass Manns, ko Tīrona iestudējumā spēlē Ģirts Krūmiņš. Šis tēls kļūst par izrādes atslēgu, proti, Tīrons Regīnas Razumas Rozāliju nepārprotami identificē kā tēlu, kurā Manns apzināti vai neapzināti ieraksta pats savas ilgas, tieksmes un šaubas. Izrādes sākas, uz skatuves iznākot visiem tajā spēlējošajiem aktieriem – Regīnai Razumai (Rozālija fon Timlere), Marijai Linartei (Anna), Kasparam Dumburam (Rozālijas iekāres objekts Kens Kītons), Tomam Veličko (spēlē vairākas mazas lomiņas), Ģirtam Krūmiņam (Tomass Manns). Viņi izpilda virkni iesildīšanās vingrinājumu balsij un ķermenim un labi zina, ka ir aktieri iestudējumā. Šīs zināšanas daži tēli arī paņem sev līdzi, izrādei sākoties. Kad Krūmiņa Manns pēc savas gaumes iekārtojis “spēles telpu” – tas ir, noņēmis baltus pārklājus, kas Annas Heinrihsones iekārtotajā vidē sedz putnu izbāzeņus, un iekārtojies no pārējiem īpaši nodalītā stikla kabīnē –, Rozālija un Anna turpina savus vingrinājumus, pakļaujoties ne tik daudz savai, cik autora gribai. Viņas runā Manna tekstu, bet balsī dzirdams ironisks tā novērtējums, ķermeņi izlokās uzsvērti pārskaistinātās pozās, it kā viņas būtu spiestas dejot sev pretdabiskā baleta uzvedumā. Manns mierā neliekas. Viņš atkārto teikumus, ar kuru izpildījumu nav apmierināts, atkal un atkal aizvirza stāstu virzienā, kurā varones, liekas, nemaz nevēlas doties. Kāpēc viņas pakļaujas? Galvenokārt, protams, tāpēc, ka ir tēli autora darbā un tāpēc – vismaz kādā mērā ir atkarīgas no viņa gribas. Bet pakāpeniski iezīmējas arī kāda cita motivācija, kas Tīrona iestudējumu izsmalcina un padara arī emocionāli baudāmu – Regīna Razuma nospēlē to, ka viņas varone ierauga, cik Mannam svarīgs ir notiekošais. Un viņa ļaujas, teiksim, aiz solidaritātes, cilvēciskas līdzjūtības jūtām, jo ir taču acīmredzama paša autora fascinācija ar varonei piedēvēto mīlas objektu: ne jau velti izrādē krietni izvērsta kāda viesību aina, kur, aizraujoties ar paša stāstījumu, ar Kenu metas dejot Manns, ne vairs Rozālija.

Domu, ka abi varoņi – autors un viņa radītais tēls – ir viens, Tīrons iemieso arī burtiski, brīdī, kad Regīnas Razumas fon Timleres kundze noņem sievišķīgo parūku un parādās uz skatuves ģērbusies gluži identiski Ģirta Krūmiņa Mannam. Pēc mirkļa viņa pārģērbjas vēlreiz un šoreiz jau pilnībā, bez mazākās šaubu ēnas vai vērtējoša skata no malas metas izdzīvot varones iemīlēšanās sāgu. Tā ir daudz mazāk smieklīga, kā brīžam gribējies iztēloties izrādes Mannam, un bez jelkāda ciniska novērtējuma (kā Manna-rakstnieka “oriģinālā”). Tas ir viegli, poētiski, skaisti.

Tīrons intervijās uzsvēris, ka Apmānīto iestudējis Regīnai Razumai. Un patiešām – viņa sarežģītajai lomai ir lieliski piemērota, gan veidojot filigrānas pārejas no ironiska atsvešinājuma uz vieglu grotesku vai klusinātu traģiskumu, gan iemiesojot varones vizuālās pārmaiņas – no krāšņas sievišķības līdz androgīnai elegancei. Brīnišķīgi spēlē Marija Linarte un Kaspars Dumburs; viņa – gluži neatkārojamā ironijā, viņš – demonstrējot fantastisku humora izjūtu un apbrīnojamu konkrētību groteskajā formā, kas varoņa objektīvi ne lielajai lomai notikumos liek sekot ar neatslābstošu uzmanību. Bet visbeidzot – lai cik paradoksāli, Apmānītajā lielāko lomu tomēr nospēlē sajūta. Telpa, kurā Anna Heinrihsone, smalki pārinterpretējot Manna stāstā minētos vides elementus, pēdējā izrādes ainā uzbur no realitātes žņaugiem mirklī izrauties gatavu, Rozālijas dzīves un mīlas alku atbrīvotu pasauli. Iestudējuma telpas noformējumā izmantotie putnu izbāzeņi varones iztēlē izrādās spējīgi atdzīvoties dzīvā gulbī (gulbja lomā – Katjuša Pelli), bet mīļotais, dūmu un spoguļu ielenkts, kaisli čukst gaidītus vārdus. Un nav nemaz tik būtiski, ka Rozāliju no viņas sapņa atdala dzīves un nāves, realitātes un sapņa stikla siena. Ilgas tādiem sīkumiem kāpj pāri. Domāju, par to arī stāsts.

«Обманутая» по Томасу Манну — плачьте, смейтесь, любите и умирайте
https://rus.lsm.lv
08.01.2019
autors Андрей Шаврей

Премьера в Новом Рижском театре — «Обманутая» по Томасу Манну. Стоит смотреть - из-за декадентства этого трижды проклятого, красоты временами неимоверной, легендарной Регины Разумы в главной роли, постановки философа Улдиса Тиронса, которую временами отличает абсолютный легкий дебилизм (все в норме философской) и отличных актеров. То ли плакать, то ли с легкой истерикой заламывать руки и кричать после премьеры во всю Бривибас, стоя в валенках: «Прощай, молодость!».
Впрочем, сама тема намного более глубже, чем просто расставание с молодостью, страстью, любовью, с самой жизнью.

В этом спектакле есть все основные слагаемые для успеха. И можно смело сказать, что это успех. Прежде всего - любопытна фигура режиссера Улдиса Тиронса, который не является профессиональным постановщиком, но это уже, как минимум, третья его постановка в знаменитом рижском театре. Он философ, редактор и один из авторов культового, как говорится, интеллектуального журнала Rīgas Laiks, последователь учения легендарного философа Александра Пятигорского.

А уж тиронсовская «Последняя елочка Ленина» в этом же Новом Рижском театре, поставленная им же год назад - это хит сезона, который начинается как драма о последних днях вождях, а заканчивается фантасмагорией с восточными мотивами и загробным бессмертием многострадальной мумии. Это - истинный театр.

Представьте, у нас появился новый отличный режиссер, постановки которого отличает важнейшее условие для театра - чтобы, как минимум, не было скучно. А уж если при этом присутствует и смысл, переживание, размышление...

Здесь впечатляющая уже с первого взгляда, пока еще публика собирается в зале, сценография Анны Хейнрихсоне (ее же костюмы) - полупрозрачная стена на заднике сцены с отбликами, в ней отражаются зрители, а затем и сами актеры.

Наконец, здесь, не побоюсь этого слова, легендарная латышская актриса Регина Разума в главной роли (Розалия фон Тюммлер), сама судьба которой и образ - такое меткое попадание и совпадение, что невольно задумаешься о мистических моментах судьбы. По-настоящему бенефисная роль – она просто искала свою актрису и, к счастью, нашла.

Она писанная красавица до сих пор, хотя уже намного старше своей вдовствующей героини новеллы Томаса Манна, которой по роли пятьдесят лет. Самое интересное, что даже знающие выдающуюся актрису уже немало лет, могут не сразу узнать ее на сцене - так вот это она самая, с такой великолепной по-прежнему фигурой? Пусть это будет считаться легендой, хотя это явно факт: говорят, в семидесятых, когда Регина снималась в кинофильме «Стрелы Робина Гуда», ею моментально увлекся Владимир Высоцкий, записывавший песни для фильма (увы, их потом запретили для этой киноленты).

Ясное дело, увлекся - иначе было бы неестественно как-то.

И вот все вышеперечисленное - мелочь на фоне того, что автором новеллы, по которой поставлен почти двухчасовой спектакль, является нобелевский лауреат Томас Манн, один из немногих писателей минувшего века, которого однозначно можно именовать гением. Человеческую натуру и природу он знал феноменально, со всеми нюансами, он умел ими играть, умел анализировать и приходить, как правило, к неутешительным жестким выводом (разумеется, при этом все с примесью юмора, еще более тонкого, чем у его более циничного коллеги Антона Чехова). И зачастую прорывался в абсолютно реальную мистику, то есть, в неизведанное большинством - то, что удавалось и удается лишь избранным.

Очень важно, что «Обманутая» - последнее завершенное произведение писателя, оно написано им незадолго до смерти в 1953-м году. Так что выводы делайте сами - думается, выбор материала режиссером неслучаен.

В новелле точно не обозначено, кем являлась героиня Разумы, но судя по спектаклю, можно предположить, что она была в прошлом то ли оперной певицей, то ли балериной (за прозрачной стеной потом появляется образ балерины в «Умирающем лебеде», но только лебедь тот, разумеется, черный, который в сцене путешествия в замки стал знаком-символом предстоящего всем нам)...

В патриархальный дом отставной аристократки, как и положено, входит учитель английского - американский 24-летний лоботряс, настолько обаятельный в своей непритязательной естественности, что в результате в душе слегка наивной, до смеха декаденствующей, но все же аристократичной Розалии вспыхивает страсть. Артист Каспар Думбурс в этой роли заслуживает особого восторга - особенно эта его виртуозная способность на ходу смешивать «американскую» речь с латышским...

Декадентство тут доведено местами до абсолюта и героиня Разумы с дочкой Анной (Мария Линарте) напоминает зачастую героиню Раневской из «Вишневого сада» Чехова. И все это на фоне присутствующего образа самого автора, Томаса Манна (Гирт Круминьш) - в начале спектакле мы видим вставную сцену у парикмахера, которая явно напоминает сцену из кинофильма Висконти «Смерть в Венеции», когда денди в годах с подачи говорливого цирюльника (Том Величко) «омолаживается».

И все это, в свою очередь, на фоне природы, о которой так много речей и в спектакле, и в самом исходном материале. Природа, которая оживает вдруг, как и человеческое тело, после зимней дремы (у самого Манна такие понятия, как «климакс» и «месячные циклы» упоминаются настолько деликатно, что об том можно лишь догадываться, но ясно, о чем речь).

Обвинять в спойлерстве тут неуместно - мы все знаем, чем эта история закончится. Смертью.

Обманом природы, когда возрождение женственности со всеми прилагающимися к этому подтверждениями деликатного свойства оказывается стандартной онкологией. Но мечты, страстное желание и пронзительное прощание не только с молодостью, но и с самой жизнью - все это стоит именно видеть.

Героиня выдающейся Регины Разумы на фоне луны и документальных съемок самой Разумы в молодости прощается с нами. Прощай молодость и жизнь, здравствуй, судьба и вечность! Все - под изломанный вариант музыки «Лебедя» Сен-Санса (в обработке нашего молодого, но уже известного композитора Платона Буравицкого).

А уж когда звучит знаменитый фрагмент из «Тристана и Изольды» Рихарда Вагнера - возвышенная музыка томления... Стоп, не обманывайтесь! Поставить эту великую музыку Вагнера - это уже половина успеха, потому что она скрасит все недостатки любой постановки. Но тут эта гениальная музыка совершенно уместна - опять же, путешествие в баварские замки, где по Томасу Манну Розалия все же получила заветный поцелуй и договоренность, что все будет, все будет... Но не спешите обольщаться - природа хитрее.

Театр - тоже. Поаплодируем, что ли?


 

Tomass Manns un nāve
Latvijas Avīze (Kultūrzīmes)
09.01.2019
autors Anda Buševica

Ulda Tīrona izrādes "Apmānītā" centrā tagad ir pats rakstnieks – Tomass Manns.
"Kāpēc es to visu rakstu?" – uz Jaunā Rīgas teātra skatuves jautā baltā uzvalkā tērpts Ģirts Krūmiņš rakstnieka Tomasa Manna lomā. Ulda Tīrona režisētā izrāde "Apmānītā" tapusi pēc Manna tāda paša nosaukuma stāsta motīviem.
Stāsta centrā ir atraitne Rozālija fon Timlere, sieviete brīdi pirms sava auglības laika beigām (Regīna Razuma), kura iemīlas miesīgā, nesarežģītā amerikāņu jauneklī Kenā Kītonā (Kaspars Dumburs), nepiedienīgā veidā jūtās apsteidzot savas vecmeitās palikušās, klibās meitas Annas (Marija Linarte) mostošos iekāri pret šo pašu vīrieti.
Ulda Tīrona radītajā izrādē Manna stāsta smaguma centrs nobīdīts no ass. Izrādes centrā tagad ir pats rakstnieks – Tomass Manns. Stāsts "Apmānītā" tapis 1953. gadā, gadu pirms rakstnieka nāves, un ir viņa pēdējais darbs (aizsāktais romāns "Avantūrista Fēliksa Krula atzīšanās" netika pabeigts). Kritika stāstu uztvēra ar sašutumu (izrādes programmiņā atrodama viena no recenzijām) nekautrīgi miesīgo aprakstu dēļ. Mannam stāsta mugurkaulu veido mātes un meitas dialogi, kuros Rozālija detalizēti izklāsta gan savas nesen dzimušās kaislības iedabu, gan pašas ķermenī notiekošās norises un izjūtas, atjaunojoties mēnešreizēm. Šokējoša un spilgta ir arī izrādē ietvertā stāsta epizode, kurā māte un meita, reiz pastaigājoties meža malā, ierauga kāda maza grauzēja trūdošās atliekas un tām blakus mušām aplipušus dzīvnieka izkārnījumus.
Gaisā vēdījis muskuss, dzīvniecisko instinktu un kaislību aromāts, abas dāmas ieslīgst sarunā par tā ieguves veidiem, apspriež muskusa izmantojumu parfīmos un atceras kādu Šillera "Laupītāju" izrādi, kurā viens no negatīvajiem personāžiem, ikreiz iznākot uz skatuves, izplatījis šo aromātu, kas pārliecinājis par viņa neģēlīgumu pat vairāk nekā tēlojums.
Izrādes režisoru un dramatizējuma autoru Uldi Tīronu vairāk nekā dāmu ķermeniskie pārdzīvojumi interesē, kāpēc Tomass Manns, sajūtot nenovēršamo nāves tuvumu, nevis gatavojas to pieņemt kādā mūsu iedomātā godbijīgā veidā, bet gan raksta par līdz netiklībai sakāpinātu kaisli, muskusa smaržu, sievišķās auglības asinīm. Tomasa Manna stāstā darbību uz priekšu virza abu sieviešu savstarpējā sacensība dabas noliktajā tiecībā piepildīt savu auglību, bet Ulda Tīrona izrādē māte un meita padarītas par konkurenci izslēdzošām dvīnēm, spoguļattēlu, kas atkārto vienas un tās pašas darbības un izsaucienus.
Tomasa Manna stāsta spēks ir tā valoda, lēnais, detaļās paplašinātais, gandrīz kinematogrāfiskais stāstījums, kurā katram tēlam autors sagatavojis pamatīgu psiholoģisku pamatojumu, bet Ulda Tīrona izrādē tēliem atņemta pat cilvēcisku emociju iespēja, režisors citē pats sevi, savu iepriekšējo darbu uz JRT skatuves "Pēdējā Ļeņina eglīte", izrādes pirmajā daļā sievietēm liekot uzvesties kā pusmītiskām būtnēm, marionetēm:
runāt pārvērstās balsīs, kustēties pretdabiski. Būtiska ir tikai sieviešu saikne ar rakstnieku – spalvas švīkstoņa izrādes fonā atgādina, ka Rozālija fon Timlere ar savu meitai izklāstīto sajūtu atstāstu un bezcerīgo kaisli notiek tikai un vienīgi viņa galvā. Brīžam Regīna Razuma pat koķeti pabrīnās, apšauba kaisles apmērus, ko Ģirts Krūmiņš Tomasa Manna lomā diktē viņai priekšā. Izrādes lūzuma punktā šī saikne tiek pasvītrota vēlreiz, kad Rozālija iznāk tādā pašā baltā uzvalkā, kāds mugurā ir Ģirta Krūmiņa spēlētajam Mannam, uzsverot, ka ir viņa dubultniece, viņa avatārs, izdzīvojot jutekliskumu, kaislības un gatavojoties nāvei. (Tā kā izrādes programmiņa stāsta intrigu skatītājam atklāj jau pirms izrādes, uzdrošinos šos pašus spēles noteikumus ievērot arī šai rakstā – mēnešreizes, ko Rozālija noturējusi par savas sievišķības atdzimšanu, izrādās dzemdes vēža izsaukta asiņošana. Viņa mirst.) Groteskas kustības, pārspīlēta spēle izcili padodas arī Tomam Veļičko, kam šai izrādē ir vairākas otrā plāna lomas, sākot no friziera, kurš gatavs nokrāsot Manna sirmos matus, tādējādi ar ķīmijas, nevis alķīmijas palīdzību atgriežot viņam jaunību, līdz pils gida lomai, Rozālijai un Annai ar savu kaisles objektu Kītonu dodoties izbraukumā ar laivām.
Kenu Kītonu Tomass Manns uzrakstījis ļoti smalki, viņa tēlā risinot Eiropas kultūras paguruma tēmu. Abas stāsta varones tiecas pie dabas, pie dzīvības spēka un dabiska kaisles avota, taču dabas norises viņas spēj uztvert tikai pastarpināti un eksaltēti – caur dzeju, sengrieķu dievību tēliem vai teātra izrādēm.
Kītons ir tiešs pretstats sagurušajai aristokrātijai, viņš Eiropā nokļuvis kā kareivis, un, sastapies ar līdz šim neredzētu pasauli, pārdzīvo sajūsmas šoku: izrādē ar juteklisku kaisli Kaspars Dumburs glāsta krēsla muguriņas kokgriezumus, sarunājas ar meža putnu izbāžņiem. Aktieris Kītonu uzbur bez tā smalkuma, kas šim tēlam ir stāstā, taču dara to ar lielu tiešumu:
pirms klauvēt pie durvīm, brutāli tiek sakārtota bikšupriekša, rokas kustība tālāk slaidi virzās uz matu ērkuli, pieglaužot loku deniņos. Kronis visam ir izsmalcinātās sabiedrības pierunāšana uz palienētu deju no populāra mūzikla, kas izrādes beigās tiek atkārtota uz bis.
Man izrādes emocionālā kulminācija bija masku krišana, brīdis, kad Ģirta Krūmiņa Tomass Manns paņēma rokās akordeonu, kas izdvesa brīžam atpazīstamas, brīžam ausis plosošas skaņas. Kad līdz tam aiz priekškara slēptā skatuves uzbūve pēkšņi spēles telpu sadalīja divās daļās (scenogrāfe, tērpu māksliniece Anna Heinrihsone), Tomasa Manna stāstā visai banāli aprakstīto mīlas ainu, kurā ekskursijas laikā Rozālija ir gatava atdoties jauneklim, pārvēršot par gluži cita mēroga – miršanas – ainu, mīlētājiem bezcerīgi un nesasniedzami sitoties pret stikla sienu.
Taču režisors pats arī šo saviļņojumu pēc īsa brīža nokauj, ieviešot banalitāti, par kādu vēl pirms īsa brīža ņirgājies:
liekot kino kadros mirējai sastapties ar savu jaunību, skaistumu, vasaru un ziediem.
Režisors Uldis Tīrons uz skatuves aplūkošanai izliek Tomasa Manna lasīšanas procesā (izrādes programmiņā varam atrast atsauces uz avotiem – fragmentiem no dienasgrāmatas, vēstulēm, rakstnieka paša zīmējumus) radušos tēlus. Es pieņemu, ka katrs no skatītājiem sagaršos kādu atsauci, kas ierosinās virzienu tālākdomāšanai. No vienas puses, mani, līdzīgi kā iepriekšējās Ulda Tīrona izrādēs, aizrauj šī iespēja domāšanas procesu padarīt vizuālu, izspēlēt uz teātra skatuves. No otras, personiski man ir žēl, ka Regīna Razuma, kas šai izrādē pierādīja izcilu savu piemērotību Rozālijas fon Timleres lomai, tā arī palika bez iespējas pilnasinīgi un ar emocijām nospēlēt savu lomu sadrumstalotajos un pārveidotajos Tomasa Manna stāsta fragmentos.

Groteska pāraug smeldzē un melanholijā
Diena (Kultūras Diena un Izklaide)
10.01.2019
autors Maija Svarinska, Atis Rozentāls, Undīne Adamaite

Maija Svarinska:
Rotaļīgs štruntiņš. Nuja, kā citādi stāstīt par apmānīto kundzīti, kas iemīlējusies jauneklī? Nē, tas nebija puisis, kas parādīja viņai pigu. Pašas ķermenis apveda ap stūri: domāja, ka kaisles spēks likvidējis menopauzi, taču izrādījās – nevis menstruācija, bet dzemdes vēzis provocē asiņošanu. Tiesa, Tomasa Manna vēstījums ir daudz skaudrāks, ne velti viņš stāsta Apmānītā varones likteni definē teju kā melno spēku anekdoti. Varbūt izrādes režisors Uldis Tīrons arī vēlējies sasniegt anekdotes dzeloni? Nesanāca. Kā allaž, ir izvēlēts spēles diktāts, taču šoreiz viss pakļauts tikai ārējā tēlojuma loģikai. Tieši tāpēc ir samīta jēga un valda domu tukšums. Ja nu vienīgi baudi stilu, žanru, deju meistarīgo kariķējumu. Tikai brīžiem ļauts izpausties kādam īstumam. Loģiski, ka šī priekšroka dāvāta tai, kura cieš. Regīnas Razumas darbs fascinē. Organiski paklausīga spēles virpulim, aktrise spēj pavērt arī savas Rozālijas dvēseles trauslumu. Savukārt Kasparam Dumburam, kurš spēlē dāmiņas iekāroto puisi, režisors liek visu laiku draiskuļot rotaļu mutulī. Arī Marijas Linartes un Toma Veličko tēli kalpo smieklu triumfam. Tikai Ģirta Krūmiņa bezpersoniskais Tomass Manns ir paskumjš. Varbūt saprot, ka nebūs «ābolu»? Taču aktieriem noteikti došu.

Atis Rozentāls:
Ir aizraujoši un kaut kādā ziņā aizkustinoši sekot līdzi tam, kā Uldis Tīrons apgūst teātra dabu un izmēģina to, ko, iespējams, profesionāli režisori izmēģina augstskolā. Režisors nesaskata vērtību sižeta intrigā, tāpēc to, kas un kādā veidā tiek apmānīts, teātris atklāj programmiņas pirmajā atvērumā. Uldis Tīrons lipina izrādi no dažādiem citātiem, alūzijām, pārdomām par teātra dabu, Amerikas un Eiropas kultūras salīdzinājuma utt. Viņš izbauda dziesmas un dejas izmantošanu izrādē, izkāpina formu, spēlējas ar semiotiku (putnu izbāžņi!) un vienlaikus izturas pret to ironiski. Regīnas Razumas varonei ir iespēja būt arī nopietnai, savukārt, piemēram, Kaspara Dumbura jaunais amerikānis ir klauns bez sarkana deguna un tāds paliek no sākuma līdz galam. Var mēģināt šifrēt, kāpēc režisoru interesē Kurts Veils, bet var arī necensties to saprast. Skatīties ir interesanti līdz brīdim, kad saproti – vairāk par spēli teātris nedos, bet var jau būt, ka tik savdabīgam sižetam tā arī ir īstā atslēga. Izrāde sniedz izklaidi un nelielu skumju devu, bet iedziļināšanos jūtu pasaulē Uldis Tīrons atstāj saviem kolēģiem, pats lielākoties ļaudamies sajūtām un vizualitātei.

Undīne Adamaite:
Ulda Tīrona debija režijā – Platona Dzīres – atgādināja visai egoistisku, uz aktieru pleciem iznestu kaprīzi. Pēdējā Ļeņina eglīte un Apmānītā jau pārliecina, ka režijas jaunpienācējs negrasās palikt teātrī tikai «izbēdzis filozofs». Var redzēt, iespējams, pat pārāk skaidri, ka Tīrons atklāj sev formas teātra, konkrēti groteskas un ekspresionisma, kā precīza pasaules mērinstrumenta iespējas. Kamertonis sākumdaļā varētu atklāties ātrāk un pārliecinošāk. Pa īstam groteskā atslēga «pagriežas» līdz ar Kaspara Dumbura angļu valodas pasniedzēja iesperšanos telpā – tāds priecīgs un dancojošs, erotiski uzlādēts, well, amerikāņu «hamburgers» vakareiropiešu liegi vecrozā apartamentos (Annas Heinrihsones precīzais darbs). Var diskutēt, vai visi filmu citāti ir nepieciešami, taču kopumā uzrunāja šī Tīrona nature morte, pāraugot melodramatiski bioloģisku gadījumu iz kādas 50 plus sievietes dzīves. Izrāde nav par klimaksu vai dzemdes vēzi, bet dzīves zūdīgumu kā tādu. Fascinē intonācijas amplitūda – it kā Manna stāsts būtu iedots nolasīt The Tiger Lillies. Groteska kondensējas poētiskā smeldzē un melanholijā. Regīna Razuma, šķiet, ilgi gaidījusi šo lomu – jau kopš modeles laikiem Maijas Tabakas gleznām šāda teatralitāte ir viņas stihija.

 

Vai laime ir slimība?
Ir
10.01.2019
autors Zane Radzobe

Jaunā Rīgas teātra eksperiments — ļaut filozofam un žurnāla Rīgas Laiks redaktoram Uldim Tīronam iestudēt izrādes — attaisnojies arī trešo reizi. Viņa pirmie skatuves darbi Mielasts (2015) un pagājušās sezonas Pēdējā Ļeņina eglīte piesaistīja uzmanību lielākoties neparastās tematikas dēļ, taču tikko pirmizrādi piedzīvojusī izrāde Apmānītā (veidota pēc Tomasa Manna stāsta motīviem) ļauj režisoru vairs neuzskatīt par iesācēju un attiekties pret viņa darbu bez atlaidēm. Rezultāts ir cienījams — viens no šīs sezonas interesantākajiem skatuves darbiem.
Kāpēc? Vispirms dramaturģiskā materiāla dēļ. Vācu modernista Tomasa Manna pēdējais pabeigtais darbs nav pieskaitāms pie literatūras klasikas, toties Manns pats — ir. Viņa monumentālie romāni — Budenbroki, Jāzeps un viņa brāļi, Burvju kalns, Doktors Fausts — ir atnesuši viņam ne tikai Nobela prēmiju literatūrā, bet galvenais — apliecina, ka Manns ir viens no izcilākajiem 20. gadsimta literātiem. Jāatspēko gan gaidas, kuras daļā skatītāju velti radījuši latviešu preses izdevumi (kā saprotu, tiražējot PR materiālu formulējumus). Proti, Manns nav romantiķis, un no Apmānītās nav jāgaida klišejiski izprasta tiecība uz visu skaisto. Manna proza ir skaista, bet arī nežēlīga, un stāsts par menopauzi pārdzīvojušu dāmu, kas iekāro jaunu puisi un šīs aizraušanās gaismā interpretē arī pašas ķermeņa sūtītos signālus, proti, notur audzēja izraisītu asiņošanu par mēnešreizēm, kas brīnumainā kārtā atsākušās, cinisks izklausās ne tikai īsā atstāstā. Manns pats šo gadījumu sauc par anekdoti un varoni tiešos vārdos raksturo kā muļķi. Cēlā un smieklīgā pretstats, protams, kalpo par māksliniecisku paņēmienu dzīves pretrunīguma atklāsmei, bet Latvijas publikai šāda estētika nav īpaši mīļa. Šķiet, te meklējama daļa atbildes uz jautājumu, kāpēc pēc pirmajām izrādēm skatītāju atsauksmes sociālajos tīklos ir vēsas, un piesardzīgākie teātra mīļotāji biļetes uz ieplānotajām izrādēm nesteidzas izpirkt. Un tomēr Tīrona Apmānīto ir vērts redzēt. Tas ir iestudējums, kas domāts plašam cilvēku lokam, tiesa, ar noteikumu, ka skatītājs gatavs izrādi skatīties aktīvi.
Aktivitāte šoreiz nozīmē intelektuālu līdzdalību. Tiem, kas ar Manna daiļradi nav pazīstami, teātris mēģinājis palīdzēt izrādes programmiņā, piedāvājot īsu ieskatu autora sarežģītajā personībā (homoseksuāla tēlainība caurvij lielu daļu Manna darbu, bet šajā, vismaz Tīrona interpretācijā, kļūst izšķiroši svarīga), viņa uzskatos par teātra estētiku, arī Mannam raksturīgās tēlainības aspektos, piemēram, dabas un nāves poētikā.
Kaut minimālas priekšzināšanas par Manna daiļradi tiešām ir svarīgas, kaut vai lai uztvertu režisora interpretācijas galveno trumpi — viņš Apmānītās dramatizējumā kā tēlu ierakstījis arī Tomasu Mannu, kas sacer stāstu, ko mēs skatāmies, un kurš aizvien uzskatāmāk redz sevi galvenās varones Rozālijas fon Timleres vietā. Tēma ir sarežģīta, bet arī ļoti cilvēcīga — autora un mākslas darba attiecības, attiecības starp dzīves īstenību un iztēli, sapni, kurā iespējams izdzīvot to, kas realitātē šķiet neiespējams. Regīna Razuma un Ģirts Krūmiņš to izspēlē visās emocionālās varavīksnes krāsās.
«Vai tad laime ir slimība?» kādā brīdī jautā Razumas atveidotā Rozālija fon Timlere, un ne jau velti par jauno un dzīvespriecīgo amerikāni Kenu Kītonu (Kaspars Dumburs) iestudējumā sapņo ne tikai viņa, bet arī Tomass Manns, par šo apsēstību smejoties, ņirdzot, nožēlojot un vienlaikus sajūsminoties par savu jūtu intensitāti. Nozīmju līmeņu izrādē ir daudz — vecums, kas iemīlas jaunībā, sievišķo un vīrišķo lomu un identitāšu sajukums, nāves un dzīvības attiecības… Lai ko no motīvu simfonijas skatītājs izvēlētos dzirdēt kā galveno, saruna nebūs tukša. Tie visi, protams, ir Tomasa Manna daiļrades motīvi, tomēr no viņa stāsta Apmānītā JRT izrāde krietni atšķiras. Tīrons rakstnieka tekstiem daudz rakstījis klāt (piemēram, kultūras citātus, kuru atpazīšana izvēršas pārsteidzoši izklaidējošā rotaļā), un es teiktu — izrāde drīzāk līdzinās maigam, mazliet skumjam dzejolim.
Ar metaforām un alūzijām pārsātināts ne tikai Tīrona dramatizējums, bet arī fantastiski skaistā un nozīmēm bagātā Annas Heinrihsones iekārtotā telpa. (Tai būtu vērts veltīt atsevišķu recenziju — dzīvo un izbāzto putnu kontrasts (gulbja lomā Katjuša Pelli), dūmi un spoguļi, kas vilinoši pārveido realitāti sapnī, stikla sienas, kas šķir, bet varbūt tieši tāpēc vieno varoņus…)
Prieku sagādās arī aktierdarbi — Ģirts Krūmiņš, Toms Veličko, bet īpaši Regīna Razuma fon Timleres kundzes lomā, Marija Linarte, kas spēlē viņas meitu Annu, un Kaspars Dumburs, kurš pārsteidz un sajūsmina ar viņa karjeras laikā Nacionālajā teātrī mazredzētu talanta šķautni — ar spožu humora izjūtu apveltīts brīnišķīgs groteskas aktieris. Vienvārdsakot — Apmānītā piedāvā priekus visām gaumēm!

Tīrona dzīvā teatralitāte. JRT iestudējuma 'Apmānītā' recenzija
www.delfi.lv
11.01.2019
autors Dita Jonīte

Ulda Tīrona jaunākajā iestudējumā Jaunajā Rīgas teātrī aizrautīgi un gudri saplūdināti visdažādākie mākslas veidi, skatīties ir patiešām interesanti. Tomasa Manna noveles "Apmānītā" pamats iemiesots, izmantojot atsauces no vizuālās mākslas, kino, modernās dejas, kultūras vēstures.
Režisors kopā ar mākslinieci Annu Heinrihsoni, šķiet, darījis visu, lai skatuves vēstījums līdz skatītājam līdzvērtīgi nonāktu pa visiem uztveres kanāliem, starp kuriem aktieru runātais vārds būtu tikai viens no informācijas nesējiem. Spēles noteikumi tiek pieteikti jau ar pirmo izrādes ainu, kurā visi galvenie varoņi ar skatu pret publiku runā vienlaicīgi, it kā ievingrinot balss aparātu un ķermeni. Nojaušams, ka stāsta stāstīšana jau ir uzsākta, jo balsu murdoņā Ģirta Krūmiņa (Tomass Manns) runātais daļēji tomēr ir saklausāms. Spriedze manī kā skatītājā rodas tieši šajā aktīvajā līdzdzīvošanā – vienlaikus mēģinot sekot stāstam un "izlasīt" tos izrādes līmeņus, kurus veido groteskā aktierspēle, modernās dejas plastikas citāti, kā arī Annas Heinrihsones veidotā suģestējoši ironiskā telpa.
Formāli stāsts ir par sievieti, kura īsi pirms nāvējošas slimības iemīlējusies divreiz jaunākā vīrietī. Taču izrāde vairāk fokusējas uz jautājumiem, kas saistīti ar dzīves un mākslas attiecībām vēsturiskā kontekstā. Ja noveles autoru, piemēram, ir interesējušas arī medicīniskas konsekvences jeb konkrētu diagnožu un simptomu atbilstība, tad režisoru – vecu un jaunu mākslas formu attiecības. Viens no izrādes varoņiem kādā brīdī izsauc mūžam aktuālo frāzi par to, ka mākslai vajag jaunas formas. Aizraujošākais ir tas, kā režisors uzbūvējis "vecos laikus" (brīdis pēc Pirmā pasaules kara) jauno mākslas formu ietvarā. Teju visas izrādes garumā ik pa laikam Regīnas Razumas Rozālija un Marijas Linartes Anna (Rozālijas meita) ieņem īpašas pozas, raisot tiešas asociācijas ar 100 gadus seniem foto uzņēmumiem, kas ilustrē moderno deju.
Programmiņā ir citēta Mērija Vigmane – viena no jaunās vācu dejas jeb ekspresionistiskās dejas pionierēm, kura dejā tiecās attēlot cilvēciskās ilgas un tieksmes. Vienā no saviem pirmajiem priekšnesumiem (1916) Vigmane dejoja nevis ar mūziku, bet ar tekstu. Arī Tīrona izrādē aktrises "dejo" nevis mūzikas, bet teksta pavadījumā. Lai gan vienā epizodē ir runa par to, kāda vērtība ir viss dabiskais, šī "plastikošana" izskatās vairāk manierīgi un ironiski groteski – tātad pilnīgi pretēji modernās dejas būtībai, kas radās kā protests stīvajam baletam puantēs. Nav gan ne jausmas, cik lielā mērā tas ir režisora, cik horeogrāfu – Iļjas Vlasenko vai Aivara Tetera un Rūtas Teteres-Bērziņas – pirksts. Ņemot vērā, ka Melnais gulbis izrādē redzams horeogrāfijas vidusskolas audzēknes Katjušas Pelli iemiesojumā, bet pārējie aktieri arī replikās no sporta deju repertuāra, tad pieņemu, ka minēto horeogrāfu darbs bijis saistīts tikai ar šīm "īstajām" dejām. Būtu visnotaļ interesanti iestudējuma ietvaros veikt atsevišķu pētījumu tieši dejas vēstures kontekstā, mēģinot ieraudzīt dejas formu transformācijas, izpildījuma kvalitāti un saistību ar izrādē paustajām idejām – par dabisko un mākslīgo, par vērtībām Eiropā un Amerikā, par jaunības un vecuma attiecībām dzīvē un mākslā.
Dūmakā aiz stikla sienas (niansēts Oskara Pauliņa gaismojums visas izrādes garumā!) Katjušas Pelli dejotais gulbis rada asociācijas ne tikai ar slaveno Čaikovska baletu, bet grima dēļ arī ar slaveno Holivudas filmu. Izrādes programmiņā jaunajai balerīnai piedēvēta loma "meitene no pagātnes", bet man šis tēls atsauc atmiņā faktu par Regīnu Razumu – viņa savulaik bijusi dejotāja. Turklāt uz mirkli videoekrānā parādās arī kinokadrs ar Regīnu Razumu jaunībā. Tādējādi Manna stāsts, kam izrāde seko, šķiet, visnotaļ personīgs arī galvenās lomas tēlotājai. Tas ir arī nežēlīgs stāsts: kad Rozālija apzinās savu iemīlēšanos, aktrise brīvi krītošo garo kleitu nomaina pret zīda bikškostīmu un noņem kuplo parūku. Parasti sievietes iemīloties kļūst skaistākas, bet Rozālija – noveco acumirklī, it kā līdzinoties Ģirta Krūmiņa atveidotajam autoram. Viņa tiek "apmānīta", jo galu galā brīdī, kad šķiet – ir notikusi sievietes ķermeņa atdzimšana, Rozālija tiek slimības nogalināta.
Šajā uzvedumā nav vietas melodramatiskam stāstam par iemīlēšanos jaunā vīrietī, jo Kaspara Dumbura Kens Rozālijas stāsta fonā ir tikai amizants āksts. Lai arī ir vizuāli simpātisks. Kena uzdevums ir atraktīvā veidā ilustrēt mazu daļiņu no Amerikas kultūras, kā arī radīt jautrību, pinoties pa dažādajām valodām un kultūru stereotipiem. Tas ir aizrautīgs un konsekventi izturēts aktierdarbs. Līdzīgi spilgtā manierē vairākās epizodiskās lomās spēlē arī Toms Veličko. Savukārt Marija Linarte Annas lomā mudina domāt, ka viņa ir oriģinālās "gleznas" – Rozālijas – kopija, taču ar saviem noslēpumiem.
Režisors izmanto gan savulaik modernā episkā teātra instrumentus (aktieri vēršas tieši pret skatītājiem, komentējot gan savus varoņus, gan notiekošo; turklāt tiek citēts Mekija Naža songs no Bertolta Brehta "Trīsgrašu operas"), gan mūsdienās aktuālo stāstu stāstīšanu. Ģirta Krūmiņa Manns ir galvenais vēstītājs, taču noveles teksti sadalīti arī citiem aktieriem; vairākkārt fonā dzirdama skaņa, kāda rodas, rakstāmspalvai skrapstot uz papīra. Savukārt dabiskuma un mākslīguma tieša un emocionāla satikšanās notiek vienā no izrādes kulminācijas ainām: Regīnas Razumas Rozālija frāzi, kurā pauž pārsteigumu par savu iemīlēšanos, Krūmiņa atveidotā autora vadīta, pasaka vairākas reizes, katru reizi atšķirīgā aktierspēles manierē. Šķiet, trešajā reizē, kad balss skan dabiski un aizlauzti, vismaz mani frāze "Ak Dievs, es taču viņu mīlu" trāpa negaidīti tieši. Tas ir tik sāpīgi, kontrastā gan senajai brūni pelēkajai "fototapetei" uz fona aizkara, gan putnu izbāzeņiem, kas rotā sienu spēles laukuma malā, vai šķietami dzīvajiem putniem lielajā stikla būrī. Līdzīgi kā "Pēdējā Ļeņina eglīte", arī šis Ulda Tīrona iestudējums ir vizuāli, skaniski un saturiski intriģējošs teātra mākslas labirints, kurā ir bauda būt pat maldoties.