Mājaslapā publicēto fotogrāfiju izmantošana
pieļaujama tikai ar JRT rakstisku atļauju.
Plašāka informācija pieejama šeit.
JAUNĪBAS PUTNS AR SALDO BALSI
Image CAPTCHA
Daloties savā viedoklī par izrādi, JRT aicina ievērot morāles un pieklājības normas un iztikt bez rupjībām.
Lūguma neievērošanas gadījumā JRT patur tiesības dzēst skatītāja viedokli.

JAUNĪBAS PUTNS AR SALDO BALSI

Tenesijs Viljamss

Iestudējums top ar Dienvidu Universitātes (The University of the South, Sewanee, Tennessee) īpašu atļauju.

Novecojis žigolo (Ivars Krasts) atgriežas dzimtajā pilsētiņā kopā ar Holivudas zvaigzni (Baiba Broka), lai atgūtu savu jaunības mīlestību (Jana Čivžele). Plāns viņam ir, bet  jaunības mīlestības tēvs (Vilis Daudziņš) ir gatavs darīt jebko, lai to izjauktu.
Stāsts par neiespējamību atgūt jaunību visās tās nozīmēs.

Lugas tulkotāja: Vizma Belševica
Tulkojuma redaktors: Jānis Elsbergs

Režisors: Vladislavs Nastavševs
Scenogrāfi: Vladislavs Nastavševs un Edgars Kļaviņš
Kostīmu māksliniece: Rūta Kuplā
Oriģināldziesmas “Aleluja” autori -  Vladislavs Nastavševs, Anna Ķirse
Komponiste, aranžētāja un muzikālā noformējuma autore - Anna Ķirse
Oriģinālmūzikas izpildītāji – Rīgas Doma zēnu koris, diriģents Mārtiņš Klišāns, solists Eremijs Sējāns (flauta - Nadīna Zapacka, čells - Undīne Balode, Ēriks Kiršfelds, klavieres – Rihards Plešānovs, ģitārists - Svens Vilsons, trompete – Jānis Porietis, kontrabass – Reinis Ozoliņš, skaņu režisore - Elīna Karaseva)

Lomās: Baiba Broka, Ivars Krasts, Sandra Kļaviņa, Vilis Daudziņš, Jana Čivžele, Jevgēnijs Isajevs, Regīna Razuma, Matīss Budovskis, Raivis Mediss, Rūdolfs Apse, Varis Piņķis


Izrāde notiek JRT Lielajā zālē Miera ielā 58a.

Izrādes ilgums: 3 h 15 min (2 cēlieni)

Biļešu cenas: 10,00, 15,00, 22,00, 25,00 EUR.

Pirmizrāde paredzēta 2018. gada 5. decembrī.

Izrādes laikā smēķē!

Video
Video
Vārds: Skatītāja Armanda Kalniņa viedoklis no Facebook, 12.12.2018
Viedoklis: Tenesija Viljamsa lugas un Vladislava Nastavševa režija vienmēr piesaista uzmanību. Turklāt savulaik šīs lugas iestudējumā Drāmas (Nacionālajā) teātrī Lidijas Freimanes tēlotā Princese Kosmonopolisa bija kā sava veida amerikāņu kino aktrišu etalons (stājā un arī postā, bet, kaut tam laikam priekšstats par tēlu atkarībām bija negaidīti tiešs, tomēr samērā mērens). Citus šīs izrādes aktierus ne visai atceros, laikam šķita parastāki. Jaunais iestudējums ir negaidīts („cits Nastavševs”), negants, maz ilūziju, izteikts norišu raupjums, tajā nav nekāds sentiments, daudziem tēliem nākas piezemēties cerību tukšajā baseinā, balansējot uz tā malas („normālības”) robežas, kamēr citi izdzīvo vai „dzīvojas” tā, kā prot. Manuprāt, izrādes centrā ir divi paša Tenesija Viljamsa rakstura „varianti”. Samērā veiksmīgā iespēja ir Princese Kosmonopolisa (Baiba Broka) – gan pagrimumā un bezcerības atvarā, gan spējā izkļūt no depresīvā posta, tomēr nerēķinoties ar citiem, ja tie vairs nav vajadzīgi vai bijuši nenozīmīgi. Viņa patiešām dzīvo mākslā (pirmajā ainā arī reakcijas ir kā tēlojums, kaut ne visai labs), tāpēc dzīves norises var iekļaut gan līdzjūtību, gan nodevību. Skarbāks liktenis (arī tāpēc, ka cilvēciskāks, kaut – ar ļoti daudziem trūkumiem un sliktām rīcībām) ir otrai rakstura konsekvencei - Šānss Veins Ivara Krasta pašaizliedzīgajā tēlojumā zaudē tāpēc, ka mēģina atgriezties jaunības daļēji iedomātajā labu nodomu „tīrībā”, taču tas viņa izdzīvošanas taktikas un vieglākas dzīves alku dēļ vairs nav iespējams. Izrādās, ka dzīvot pagātnes situācijās, mēģinot kļūmīgo darīt labāk, vairs nav iespējams, viņa rīcību sekas radījušas neatgriezeniskus kaitējumus. Princeses Kosmonopolisas pieredzes atkārtojums viņam nav iespējams, kaut varbūt Šānsa talants var būt līdzvērtīgs, bet viņam nav bijusi tā „mazā” iespēja, kas būtu ļāvusi sevi pierādīt. Var domāt, ka nepaveicās, var, ka viņam nav talants/uzcītība, var, nopūsties: „Liktens!”. Izrādē ir daudzi zīmīgi raksturi: Viļa Daudziņa autoritārais kontrolētājs, kas izaudzinājis tos, ko ir un vienlaikus nav gribējis - dēlu (būtībā un detaļās precīzs Matīsa Budovska tēlojums) kā paklausīgu/nežēlīgu izpildītāju, un bezgribas meitu „Ofēliju” (Jana Čivžele). Regīnas Razumas Nannija un Sandras Kļaviņas Lūsija ir sadzīviski gudrākas, jo labāk pārzina spēles noteikumus, līdzjūtību pret Šansu diktē pašu piedzīvotais. Droši vien izrāde pēc kāda laika ir vērts noskatīties vēlreiz, lai pamanītu neuztverto.
Vārds: Skatītājas Guntas Teimanes viedoklis no Facebook, 12.12.2018
Viedoklis: Jaunais Rīgas teātris atkal spēja pārsteigt. Klasiska izrāde, bez neizprotamām detaļām. IZCILI! Skatijos aizturētu elpu, brīžos pat zosāda uzmetās no emociju pārbagātības. Cik viegli ir pazaudēt sevi un sabradāt visu, dzenoties pakaļ iedomātai laimei un panākumiem. Tikai žēl, ka atklāsme par patiesību dažreiz nāk par vēlu ...
Vārds: Katrīnai, 11.12.2018
Viedoklis: Viedoklis par viedokli? Uzskatāt, ka visiem jādomā vienādi?
Vārds: Katrīna, 11.12.2018
Viedoklis: to DZ. :) ir jau visādi spoguļi, arī greizie. Domāju, ka arī skatītāji nav bez garšas sajūtas - ar pusfabrikātiem neapmānīsi. (nekas personīgs)
Vārds: DZ, 11.12.2018
Viedoklis: Mana dziļākā pārliecība ir, ka katra izrāde rezonē ar skatītāju, respektīvi, kāds ir skatītājs, tāda arī reakcija. Jo spogulis jau nav vainīgs :)

Putni kliedz
Latvijas Avīze (Kultūrzīmes)
12.12.2018
autors Anda Buševica

"Jaunības putns ar saldo balsi" JRT ir izrāde, kurā režisors savu vēstījumu visskaidrāk visskaidrāk nodevis tieši caur skaņām.
Jautājums, kas neatstājas līdz pat izrādes beigām: kāpēc no visām Tenesija Viljamsa lugām režisors Vladislavs Nastavševs iestudēšanai uz Jaunā Rīgas teātra skatuves izvēlējies tieši "Jaunības putnu ar saldo balsi"? Atšķirībā no Latvijas teātros bieži iestudētajām "Kaķis uz nokaitēta skārda jumta", "Ilgu tramvajs", "Stikla zvērnīca" vai pat režisora debijas uz Nacionālā teātra skatuves pirms sešiem gadiem ar Tenesija Viljamsa "Pērnvasar negaidot", 1959. gadā tapušās lugas "Jaunības putns ar saldo balsi" sižets vēsta par aizgājuša laikmeta tēmām. Par Holivudas zvaigznes Aleksandras Del Lago spožumu un postu, par novecojošu jaunuli Šānsu Veinu, kurš caur gultu vēl cer paspēt ierāpties pārtikušo un vareno panteonā, vēstī par atkarību no narkotikām, par kukluksklana gājieniem autoritatīva bosa pārvaldītā Amerikas mazpilsētā.
Tenesijs Viljamss lugu "Jaunības putns ar saldo balsi" veltīja īpaši aktrisei Talulai Bankhedai, arī Latvijas teātru vēsture glabā leģendas par Antras Liedskalniņas saspēli ar Ģirtu Jakovļevu 1977. gada Nacionālā teātra izrādē. Varbūt režisors JRT aktieros ieraudzījis izcilus lugas tēlu prototipus?
Baibas Brokas aizturētais spēks un dedzinošā pašironija kādreizējās dīvas lomā patiesi aizrauj, viņas dēļ šo izrādi noteikti vērts redzēt. Ivars Krasts jaunuļa, kurš sapņo pakāpties uz iekšēju sāpju mocītās lauvenes pleciem, tēlā prasmīgi izzīmē iekšēju nevarību, par sevi nepārliecinātu cilvēku, taču viņā tā arī neieraugu iemirdzamies lugā ierakstīto Šānsa Veina īpašo valdzinājumu, izskaidrojumu, kāpēc viņa dēļ sievietes gatavas uz neprātīgu rīcību.
Cieši pārliecināta par režisora Vladislava Nastavševa talantu, uzmanīgi sekoju stāstam par laikmetu, kurā cilvēki sabiedrībā zināja savu vietu un ticēja, ka pārticīga, skaista dzīve lemta vien īpašajiem un, lai par tādu kļūtu, vērts iet pāri līķiem. Izrādē teksta ir ļoti daudz, tas ir asprātīgs, tad nu ieklausos dialogos, cenšoties saklausīt kādu arī šim laikam aktuālu vēstījumu. Taču, lai kā arī pūlētos, izrāde tiecas sašķīst divos atšķirīgos stāstos. Viens ir Del Lago un Šānsa, divu, kā viņi paši sevi sauc, briesmoņu spēkošanās, tiecoties pārspēt vienam otru brīvībā ļauties ilgām, sapņiem un nemieram, brīvībā no sabiedrības un arī morāles normām.
Ja šī spēkošanās pārtaptu jutekliskā mīlas stāstā, es labprāt skatītos šādu izrādi. Taču šajos divskatos ielaužas trilleris ar pakaļdzīšanos: Šānsu, kurš ir atgriezies savā jaunības pilsētā, lai satiktu jaunības mīlestību (Jana Čivžele), grasās nogalināt viņas tēvs, autoritārs politiķis Boss Finlijs. Kliedzošais un klepojošais despots Vilis Daudziņš Finlija lomā ar savu talanta spēku patiesi spēj radīt kriminālintrigas spriedzi, taču šai izrādē ir vesela virkne tēlu, kas tā arī netiek pie spēlēšanas. Ja lugā ir attiecību trijstūris, tad kāpēc Janas Čivželes Hevenlijai iedalīta vien upura loma, trīsas un balta klusēšana? Kostīmu māksliniece Rūta Kuplā radījusi stilīgus krustmātes Nannijas (Regīna Razuma), mis Lūsijas (Sandra Kļaviņa), ārsta Skadera (Varis Piņķis) vizuālos veidolus, taču viņu vēstījums uz skatuves ir noderīgs vien sižeta tālākvirzībai.
Šī varēja būt izrāde, kas liek iegaumēt jaunu aktieru vārdus – nelielās lomās Raivis Mediss, Rūdolfs Apse –, taču patiesībā viņu atveidotajiem personāžiem izrādē nav vietas, un tā arī neizdodas papildināt galveno varoņu risināto stāstu.
Kā vairākumā savu izrāžu, Vladislavs Nastavševs ir arī tās scenogrāfijas un mūzikas līdzautors. Izrādes darbība notiek pamestā peldbaseinā, stilīgi zilzaļās flīzes ir stāsts par baudpilnas, modernas dzīves alkām, arī norāde uz jūras tuvumu un kūrorta dzīvesveidu.
Skatuves priekšplānā izveidotais baseins ir bedre, nemitīgs apdraudējums aktieriem pārvietojoties, un tajā pa brīdim smagi un riskanti arī kāds iekrīt. Baibas Brokas un Ivara Krasta divskatiem skatuve ir pārāk liela, to aizpildīt palīdz it kā no tāluma skanošā mūzika – citreiz tas ir viegls džezs, citreiz kliedzoši putni. Izeja no šīm vienaldzīgajām vai disonējošajām skaņām ir cēliena beigās skanošā Annas Ķirses oriģinālkompozīcija, kurā ieskanas baznīcas "Aleluja".
Šī ir izrāde, kurā režisors laikam visskaidrāk savu vēstījumu nodevis tieši caur skaņām. Aleksandra Del Lago, paģiru mocīta, ieminas, ka baloži aiz loga laikam kliedz falsetā, un fonā skanošo putnu kliedzieni tiešām ir kropli un neciešami.
Taču izrādē kliedz arī aktieri, pret Baibas Brokas ieturēto eleganci Ivara Krasta izmisuma kliedzieni skan gluži necilvēcīgi, savas varas un vienlaikus nevarības apziņā kliedz Viļa Daudziņa spēlētais pilsētas boss.
Tā kā izrādes tekstos es tā arī nespēju atrast verbalizētu skaidrojumu šiem kliedzieniem, man prātā nāk Edvarda Munka glezna "Kliedziens". Munks apraksta gleznas ierosmi: reiz saulrieta pastaigā ar draugiem viņu piemeklējusi halucinogēna vīzija, viņš esot dzirdējis, kā daba kliedz. Gleznas popularitāte ir liecība, ka šī pieredze nav sveša daudziem, kliedziena iemesli nav izzināmi, bet piedzīvot to var visai skaidri. Izeju no šīs neciešamās sajūtas, kad pasaule apkārt pārvēršas kliedzienā, katrs meklē, kā māk, – cits rītasvārku kabatā glabā nomierinošu zāļu pudelīti, cits sapņo par neiespējamu atgriešanos jaunībā un nevainības atgūšanu, cits izeju no nepanesamā pasaulīgā atrod baznīcas "Aleluja".

 

 

Андрей Шаврей: «Сладкоголосая птица юности» в постановке Наставшева – печален сей рассказ
https://rus.lsm.lv/statja/za-efirom/za-efirom/andrey-shavrey-sladkogolosaja-ptica-yunosti-v-postanovke-nastavsheva--pechalen-sey-rasskaz.a302210/
07.12.2018
autors Андрей Шаврей

В Новом Рижском театре (НРТ) состоялась премьера спектакля по пьесе Теннесси Уильямса, ставшей уже театральной классикой – «Сладкоголосая птица юности». Увы, сей рассказ вроде как действительно печален - во всех смыслах.

Вот как раз тот случай, когда вроде бы удачно совпали все исходные составляющие - знаменитый театр, легендарная пьеса выдающегося автора, отличные актеры... И, в конце концов, сам режиссер Наставшев - личность преталантливейшая. Его автобиграфические спектакли «Озеро надежды» и «Озеро надежды замерзло» в НРТ, а также «Кровавая свадьба» по Гарсиа Лорке в Латвийском Национальном театре стали театральными хитами. А уж «Черная молофья» по рассказам питерского автора Сергея Уханова в театре на улице Гертрудес идет уже более трех лет с неизменным аншлагом - вот и на декабрьские показы билеты давно проданы.
Но... в данном случае что-то не срослось. Во всяком случае, хочется думать - пока что. Увы, не только мое мнение.
Перед нами известная еще по кинофильму с великой Элизабет Тейлор история про молодого жиголо Чэна Вэйна (Ивар Крастс прекрасен, с какой стороны на него не посмотри!), сопровождающего активно дегустирующую крепкие алкогольные напитки стареющую кинозвезду Александру дель Лаго. Впрочем, Байба Брока в этой роли совсем не стареющая, а «дама-огонь, очень даже ничего. Главный герой надеется, что звезда откроет ему светлый путь в Голливуд. Вместе с ней Чэн возвращается в маленький городок своего детства, где у него была любовь, остальное - сами понимаете.
Большие и пронзительные монологи страдающей души здесь неизбежны. А уж Владислав Наставшев у нас не прочь пострадать - так что тема явно его. Сам же режиссер сказал, что в большой мере это рассказ о сегодняшнем времени, о той свежести, которая увядает. «Есть ощущение, что все мы очень, очень старые», - говорит он. – «Все. И цивилизация в целом стала очень старой. И единственное, что остается - это имитировать любовь. И надеяться, что все впереди».
В общем, у молодого режиссера (он по факту режиссер еще совсем юный) продолжается «переходный период». В его творчестве еще год назад был анонсирован «творческий кризис», ознаменованный постановкой «Трех сестер» Антона Чехова в Национальном театре, которая продержалась на сцене театра неполный сезон. Хотя на мой взгляд, этот спектакль был как раз достаточно интересный, хотя и несколько схематичным - еще раз напомним, что режиссер действительно молодой (не столько по возрасту, сколько по опыту).
А со «Сладкоголосой птицей юности» приключилась, судя по всему, и вовсе странная история. Действо происходит у пустого бассейна (сценография самого Владислава и Эдгара Клявиньша), куда по ходу пьесы пару раз под тревожный вздох зала виртуозно падает герой Ивара Крастса (выпивший же!). И все беспробудно печально, хотя и с легкими проблесками юмора - некоторые фразы режиссером, кажется, выделены при помощи артистических эффектов специально и пару раз вызывают, как говорится, «оживление в зале».
Но по определению все печально, даже толстый намек на депрессию, что особенно подчеркивается музыкой, написанной опять же самим Наставшевым. Кстати, что до музыки Владислава, то в наших масштабах это действительно феномен, который интересен не менее, чем феномен режиссерский. Отрывистые и глубокие звуки контрабаса, которые явно не могли не впечатлить нашего выдающегося композитора Петериса Васкса, сидевшего в пятом ряду (он по первой профессии контрабасист). И в такт музыке вдруг моментально приоткрываются или закрываются жалюзи на окне, из которого видны город молодости и та самая сладкоголосая птица...
В целом - концепция спектакля есть, а наполнение пока что отсутствует. Все равно как в том бассейне, который вряд ли вдруг заполнился водой во втором отделении. Скажу вам сейчас страшную вещь - вроде как внимательно отсмотрев первое отделение спектакля, длящееся два часа, я сдался и «проголосовал» ногами. И что там произошло в оставшийся час, можно только догадываться. Но если в первом отделении нет никакого развития, которое не могут «оживить» даже такие выдающиеся артисты НРТ, как Регина Разума и Вилис Даудзиньш, то есть великое подозрение, что спектакль еще, попросту говоря, «сырой».
Но вслед за Наставшевым хочется повторить его слова о том, что хочется надеяться, что все впереди.

Ar baseinu un bez tumšām alejām
www.kroders.lv
13.12.2018
autors Valda Čakare

Apsūnojušais Viljamss

Pirms doties uz JRT, lai noskatītos Vladislava Nastavševa jaunāko iestudējumu, vēlreiz pārlasīju amerikāņu divdesmitā gadsimta dramaturģijas granda Tenesija Viljamsa “Jaunības putnu ar saldo balsi”. Šķita, ka 1959. gadā sarakstītā luga arī 21. gadsimtā nav zaudējusi vērienu un spēku, jo novalkātajam sižetam par vīstošas sievietes un dzīves apbružāta, bet vēl jauna vīrieša savstarpējā izdevīgumā balstītajām attiecībām Viljamss spējis piešķirt gan pārlaicīgu mērogu, gan sadzīvisku konkrētību. Sevišķi daudzsološi likās tas, ka dramaturgs nepūlas noskaidrot, kurš ir vainīgais un kurš – upuris. Viņu interesē pavisam kas cits – laika nodarītie fiziskie un cilvēku nodevības nodarītie emocionālie postījumi, kuri vienlīdz skar gan šīs pasaules varenos, gan dzīves pabērnus.

Izrādi varētu iestudēt par katru no viņiem. Par novecojošo, sevi cilvēciski un profesionāli izsmēlušo kino dīvu Aleksandru del Lago alias princesi Kosmonopolisu; par viņas pavadoni – “eskorta puisi” Šānsu Veinu, kura galvenajam trumpim – jaunības pievilcībai – ar katru ķemmē palikušu blondu matu nodun kapu zvans; par viņa pusaudža gadu mīlestību – atmiņās kā skaidrības simbolu iekonservēto meiteni Hevenliju, kura vārgst savas nenotikušās dzīves sprostā; par viņas tēvu politiķi Bosu Finliju, kurš mīlestību grib pirkt tāpat kā varu…

Viljamsa tieksmei gandrīz katram tēlam piešķirt sava personiskā likteņa iezīmes piemīt kas izmisīgi mazohistisks un teatrāls – šķiet, ka rakstnieks vēl un vēlreiz demonstratīvi spiež pats sev uz sāpīgās vietas, nekādi nevarot rimties. Starp citu, tieši tāpat kā Vladislavs Nastavševs, kura izrādēm piemīt ļoti augsta personiskas atklātības pakāpe un kurš arī mēdz sevi teatralizēt. Turklāt, atceroties, cik jūtīgi un smalki 2012. gadā režisors Nacionālajā teātrī bija iestudējis Viljamsa lugu “Pērnvasar negaidot”, likās, ka “Jaunības putns” ir patiešām laba un režisora mākslinieciskajam rokrakstam atbilstīga izvēle.

Bet izrāde šo pārliecību izgaisināja kā dūmus. Viljamsa neatlaidīgā vandīšanās indivīda dēmonu krātuvē, katru brutālu publisko izpausmi simetriski pamatojot ar pagātnē piedzīvotu traumu, pēkšņi izlikās pagalam vecmodīga. Nemaz nerunājot par finālu, kurā savu dzīvi izniekojušais Šānss Veins iznāk avanscēnā un vēršas pie skatītājiem ar rūpīgi izsvērtu brīdinājumu, ka laiks paiet ne tikai viņam, bet arī mums. Deklaratīvi un didaktiski. Kaut gan – diez vai Viljamss viens pats būs vainīgs pie tā, ka izskatās tāds kā apsūnojis.
Sienāzis un skudra

Visvairāk paša dramaturga emocionālās pieredzes ierakstīts Šānsa un princeses Kosmonopolisas tēlos. Abiem ir mākslinieciskas ambīcijas, abiem svarīgāka par mākslas procesu ir slava, abi cieš no savām ķermeņa un prāta slimībām un izmisīgi meklē vainīgos. Šānss Veins Viljamsam nekādā ziņā nav tikai izcils savas sugas eksemplārs, kuram piemīt tukšzieža neatvairāmā pievilcība, bet arī simbolisks, plašāk nolasāms tēls, par ko liecina viņa vārds. Chance angļu valodā nozīmē izdevību, iespēju, savukārt Wayne fonētiski atgādina vain – iedomīgs, tukšs, veltīgs. Šānss Veins ir garām palaistas iespējas personifikācija, arhetipisks tēls, kuram literatūrā un mākslā var atrast veselu virkni variāciju, sākot ar Krilova fabulas sienāzīti, kas, notrallinājis visu vasaru, ziemā spiests meklēt palīdzību pie skudras, un beidzot ar Čehova Ivanovu, kura nepārvaramais laiskums un dzīvotgribas trūkums šodien tiktu diagnosticēts kā veģetatīvā distonija.

Ivara Krasta Šānsu piejūras pilsētas sabiedrībā nevar neievērot – galvas tiesu garāks par citiem vīriešiem, sportisks, gaišās – krēmkrāsas vai debesmannā – dīkas dzīves baudītāju drānās, kuras trāpīgi modelējusi kostīmu māksliniece Rūta Kuplā. Izrādes varoni no lugas Šānsa vizuāli atšķir tas, ka mati nav blondi, bet nokrāsoti tumši, liekot skaidrāk ieraudzīt, ka tie sāk atkāpties, kā arī ļaujot domāt, ka notiek rūpīgs darbs, lai slēptu sirmos pavedienus.

Šānss nervozē un steidz lāpīt to, kas vairs nav labojams. Ivars Krasts ar vērienu izspēlē Šānsa dvēseles nemieru, viņa nepacietīgo mētāšanos no cerības uz izmisumu, tomēr, skatītāju zālē sēžot, nepamet sajūta – kaut kā tā kā pietrūkst, lai aktierim visā izrādes garumā ar Šānsu veidotos pilnīga audu saderība.

Nevilšus jādomā par kādu ļoti laikmetīgu dimensiju Šānsa tēlā, proti, infantilismu, kas sasaucas ar 21. gadsimta indivīda nespēju pieaugt pasaulē, kurā nepieciešamas teju vai valstiska līmeņa instrukcijas par to, ka vecākiem vajag pavadīt laiku kopā ar bērniem; ka nedrīkst bāzt galvu plastmasas iepakojumu maisiņos, mazgāt mājdzīvniekus veļas mašīnā un atstāt degošas sveces bez uzraudzības. Šodienas pieredze Šānsa naivajā dumpīgumā ļauj ieraudzīt traģikomisku figūru – pusaudža ambīcijās iestrēgušu trīsdesmitgadnieku. Te lieti noderētu Ivara Krasta brīnišķīgā humora izjūta un māka ironiski distancēties no atveidojamā tēla, bet tai neatrodas vieta izrādes veidotāju attieksmē pret Šānsu, kura ciešanas režisors, tāpat kā Tenesijs Viljamss, šķiet, ņem tikai un vienīgi nopietni.

Atgriežoties pie asociācijas ar Krilova fabulu, skudras lomā abu ceļotāju tandēmā ir princese Kosmonopolisa jeb kinozvaigzne Aleksandra del Lago, kuru spēlē Baiba Broka – aktrise, kurai piemīt emocionāls godīgums un nevainojama formas izjūta. Kvalitātes, kam izrādē nav dota iespēja pilnam izpausties. Baibas Brokas Kosmonopolisa ir skaista, valdonīga un spilgta. Gaiši vai tumši violetos toņos tērpta, ar milzīgu kažokādu pār plecu vai slikti aizpogātā rītakleitā viņa gulšņā viesnīcas numurā un pūlas samierināties ar realitāti, uzdzerot antidepresantiem degvīnu. Vienmuļa kustību partitūra – ļimstošas kājas un elpas trūkums – aktrises fiziskajā eksistencē sabalsojas ar vienmuļu gara dzīves partitūru, kurā vēlme aizmirsties mijas ar vēlmi atgriezties slavas apspīdētajā pagātnē. Tā arī netop skaidrs, kas vēl bez lietišķa aprēķina abus partnerus saista vienu pie otra. Jutekliska vilkme tā nav, garīga tuvība ne tik. Šķiet, ka Šānss un princese ir kopā nevis tāpēc, ka viņiem ir tāda nepieciešamība, bet tāpēc, ka tā ir uzrakstīts. Varbūt šī iemesla dēļ abu aktieru garais divskats izrādes sākumā ar katru norisi un repliku nevis kāpina spriedzi, bet pamazām ļauj tai atslābt.
Dinamiskā telpa un skaņu mežs

Paradoksālā kārtā dinamiskāka un rosinošāka par indivīdu attiecībām izrādē ir telpa. Režisors kopā ar Edgaru Kļaviņu radījis lakonisku, ļoti konkrētu un vienlaikus simbolisku vidi lugas notikumiem. Tā ir zilganām flīzēm izoderēta baseina zāle. Auksta, netīkama un neērta. No reālistiska skatupunkta arī neatbilstīga šikās viesnīcas iemītnieku statusam, toties kā simbolisks tēls ietilpīga un precīza. Izrādes varoņu dzīves risinās uz baseina šaurās malas, bet pati baseina bedre atdala iztēloto pasauli no reālās, kurā atrodas zālē sēdošie skatītāji. Ūdens ir kosmogonisko mītu neatņemama sastāvdaļa, simbols ar plašu nozīmju lauku, kas saistās ar pirmmatēriju, esamības pirmsākumu, jaunību, auglību, mūžību.

Ūdens ir dzīvības garants, bet Sentklaudas hoteļa baseinā ūdens nav ne piles, un katrs lēciens vai kritiens tajā ir neizturami sāpīgs.

Baseina telpa kļūst par darbīgu metaforu sabiedrības dzīvei. Izrādes varoņi pūlas noturēties uz baseina malas, bet katrs ik pa laikam spiests nokāpt pa trepītēm lejā vai vēl ļaunāk – iekrīt vai tiek iegrūsts baseinā. Izvietojums augstāk/zemāk norāda gan uz indivīda vietu sociālajā hierarhijā, gan uz pašnovērtējumu, kas visbiežāk ir krasā pretrunā ar reālo situāciju, gan arī uz darbības personu emocionālo stāvokli. Viena no epizodēm, kas arī pēc izrādes beigām neiziet no prāta: Sandras Kļaviņas Lūsijas jaunkundze savā tumši zaļajā kleitā iespiedusies baseina stūrī, gluži kā patvērumu meklējot. Šī aina ir vizuāli skaista un vienlaikus skopiem līdzekļiem uzbur skaudru vientulības tēlu.

Pretstatā fiziskās telpas aukstajai funkcionalitātei, skaņas telpa izrādē ir dzīva, silta un piepildīta. Annas Ķirses mūzikas motīvi, ko vainago kopdarbs ar režisoru “Aleluja” dziedājumā, ieskicē gan sadzīves kontekstu ar nostalģiskām sava laika populāro dziesmiņu frāzēm, gan atklāj mirkļa emocionālo noskaņu, gan arī piešķir vēstījumam pārlaicīgu dimensiju, atgādinot, ka ir kas augstāks par cilvēka gribu un centieniem un tāpēc nav vērts “cepties” par mediju telpā uzzibsnījušiem un atkal izdzisušiem slavas mirkļiem. Visa Viljamsa lugas un arī izrādes poēzija šķiet ieplūdusi skaņu mežā, aktieriem pāri palikusi tikai proza.

Vladislavs Nastavševs Latvijas teātrī ir viens no retajiem režisoriem (varbūt vienīgais), kurš izrādes darbības personu domas un jūtas spēj pārtulkot ķermeniskās kategorijās, no jutekliskās matērijas izaudzējot poētisku vai filozofisku vispārinājumu. Lai atceramies vienu no Nastavševa agrīnajām izrādēm “Mitjas mīlestība”, kur varoņu attiecībās gūtās traumas un uzvaras bija ne tikai ar prātu nolasāmas, bet ar ādu un nervu galiem uztveramas, Inesei Pudžai un Jurijam Djakonovam riskanti balansējot uz ķieģeļu sienā iedzītiem dzelzs stieņiem. Vai “Melno spermu”, kur Jana Ļisova ārprātīgas sievietes mokpilnos centienus kontaktēties ar apkārtējo pasauli darīja fiziski sajūtamus, izliecot savu ķermeni pāri gultas malai gluži kā uzvilktu stīgu. Vai “Jūlijas jaunkundzi”, kur Antas Aizupes fiziskie pūliņi noturēt līdzsvarā koka plakni atbalsoja līdzsvara meklējumus sociālajā telpā un lika saspringt visiem skatītāja jutekļiem.

“Jaunības putna” iestudējumā jutekliskā dimensija paliek ieslodzīta vārdos. Šķiet, ka režisoru nav interesējusi ne melodrāma ar Šānsa atmiņām par pusaudža gadu mīlestību, ne erotiskās zemstrāvas, ne spriedze starp politisko varu un personiskajiem sapņiem.

Režisors mēģina radīt ļoti vispārinātu priekšstatu par cilvēka attiecībām ar pasauli, kurā indivīds līdzīgi kā Vecās derības Jāzeps tiek notriekts bedres dibenā, bet bez augšāmcelšanās perspektīvas.

Par cilvēkiem kā individualitātēm izrāde liek interesēties, sākot ar lugas otro cēlienu, kad uz skatuves parādās Viļa Daudziņa Boss Finlijs – vietējais politiķis un Šānsa mīļotās meitenes Hevenlijas tēvs. Drusku komisks, jo matus galvai pieplacinājis ar tīkliņu, rūpējoties, lai vizuālais tēls būtu politiķim atbilstoši nevainojams; drusku biedējošs, jo izstaro nežēlīgu varas apziņu, kurai bez ierunām pakļaujas apkārt esošie cilvēki. Bet vienlaikus intriģējošs un ne tik viegli atminams, jo Viļa Daudziņa dzelzs vīrā Bosā gluži negaidot pavīd arī kas ļoti cilvēcisks – viņš neapšaubāmi pieder pie bagātajiem, kuri arī raud. Jā, Boss ir gatavs izmantot savu meitu kā instrumentu varas pozīciju stiprināšanai, taču viņš ir spējīgs arī uz dziļām mīlestības jūtām pret meitu un mirušo sievu. Vilis Daudziņš māk pārliecināt, ka Bosa mīlestība ir īsta, tikai… tai vienmēr klāt ir piespraustas dolāru banknotes, jo citādi mīlēt Boss Finlijs vienkārši neprot.

Pārējās darbības personas gandrīz vai simetriski sadalās Bosa atbalstītājos un oponentos. Pie pirmajiem pieder Vara Piņķa uzcītīgi nenozīmīgais ārsts Skaders, Finlija necilais, toties plātīgais dēls Toms, kuru spēlē Matīss Budovskis, un divi apkalpojošās sfēras darbinieki – Raivja Medisa simpātiskais bārmenis Stafs un Jevgeņija Isajeva atveidotais Bosa rokaspuisis Čārlzs.

Savukārt oponentu nometnē pirmo vijoli spēlē sievietes – Regīnas Razumas tramīgā, bet Bosa plānu sabotāžas centienos apbrīnojami neatlaidīgā krustmāte Nanija un jo sevišķi Sandras Kļaviņas Lūsija – Bosa Finlija mīļākā. Lomas ierobežotajā apjomā aktrise spēj gan iezīmēt tēla biogrāfiju, gan atklāt sievišķīgi koķetu un vienlaikus atskabargainu raksturu, kurā atrodas vieta arī teju vai mātišķām izpausmēm, kad Lūsija ņemas aprūpēt bez balss palikušo Finlija politisko pretinieku, ko, sirsnīgi klepojot, atveido Rūdolfs Apse. Janas Čivželes skumji piemīlīgā, kā rudens lapa trīcošā “debesu būtne” Hevenlija izrādes kontekstā šķiet vairāk simbolisks tēls nekā reāls cilvēks. Mūžīgā jaunava gan pārnestā, gan tīri fizioloģiskā nozīmē, jo pārcietusi histerektomijas operāciju pēc tam, kad mīļotais vīrietis viņu aplaimojis ar laimes un slavas meklējumos sagrābstītu venerisku kaiti. 
Ar respektu pret burtu

Paturot vērā, ka izrāde tikai sāk savu dzīvi un, apmainoties enerģijām ar publiku, tā var vēl attīstīties, jāteic, ka pirmajā skatīšanās reizē iestudējums šķita pārsteidzoši akadēmisks. Bez sviedriem, jutekliskuma un seksualitātes tumšajām alejām, kurās Vladislavs Nastavševs tik lieliski orientējas, toties ar respektu pret lugas burtu – izteiksmīgi runāta teksta “palagiem”, iepriekš paredzamām raksturu izpausmēm un rīcības motivāciju, skaidri saskatāmām šuvēm starp lugas reālistisko un poētiskā vispārinājuma slāni. Var arī tā, bet būtu gribējies citādi.